Rss feed: 
Las fotos que comparto en este artículo fueron tomadas en Bethany Beach, una playa a aproximadamente 3 horas de Washington DC, con mar frío y olas fuertes. Allí las gaviotas vuelan casi a ras del suelo, y gracias a ello pude capturar estas lindas aves en pleno vuelo desde tan cerca.
Estuve 4 días en Denver, atendiendo un evento relacionado con un sitio web que estamos desarrollando en inQbation. El principal propósito era trabajar, pero tuve suficiente tiempo para conocer un poco la ciudad.
Denver es la ciudad de Estados Unidos con el mayor número de micro cervecerías per capita. Es encantadora, porque además de gozar de muy buena cerveza, la gente es descomplicada y amable, hay muy buen ambiente en esta ciudad.
En Colombia estamos acostumbrados a tomar solo un tipo de cerveza – la rubia. En mis épocas de universitario le rendía culto a la Poker, pero sinceramente, luego de conocer otros tipos de cerveza, la Poker no sabe a cerveza, creo que hasta es única por eso. Las cervecerías San Tomás y 3 Cordilleras están brindando nuevas posibilidades de este preciado licor, diferentes a lo que ofrece el monopolio de Bavaria. Inclusive, uno pensaría que hacer cerveza es algo industrial, pero realmente es como cocinar un arroz o un sancocho, sólo que usando una receta diferente.
Cervezas hay Rubias (Lager) y Ales. Las Ales son por lo general más fermentadas y cocinadas a mayores temperaturas, en un periodo corto de tiempo. De las Ales salen muchas: Pale Ale, India Pale Ale (IPA), Brown Ale, Barley Wine (altísimo grado de alcohol), Porter (de malta), Stout (de malta pero más intensa), etc. De las Lager salen la Pilsner, Maerzen, algunas Belgas (como afrutadas), etc.
Creo que las cervezas son tan sofisticadas como el vino, hay diferentes clases, sabores, intensidades, componentes, etc.
En mis 4 días visité 2 cervecerías y 2 “Tap Rooms” – que son sitios con numerosas cervezas de barril disponibles para consumo (como en la foto superior, que abarca como el 15% de las cervezas que ofrecen). Creo que el premio del mejor lugar se lo llevó Great Divide, una cervecería/bar, atendida por personas jóvenes y cordiales. Me dieron 4 pruebas gratis, y además pude participar (coleado, por ser extranjero) en una cata de 5 tipos de quesos, para tomar con 5 tipos de cerveza diferente. La cerveza más rica del paseo – una llamada 17th aniversary wooded aged (por el aniversario # 17 de la cervecería) - una India Pale ale envejecida en barriles de madera, de 10% de alcohol, que sabía casi a Whiskey.
Y volviendo al tema de Denver, de la ciudad como tal, creo que parte de lo agradable es también que no es una ciudad muy grande, se puede caminar y conocer, es bonita, con contrastes modernos e históricos, y con un bueno museo al que no tuve el tiempo de visitar.
En mi artículo anterior sobre color o blanco y negro, mencionaba mi preferencia hacia el blanco y negro, salvo ciertos casos que requieren color.
Cuando se habla de composición, muchas veces se enfatiza solo en el encuadre de la foto y posición de elementos/sujeto en el espacio. Pero composición va más allá, y también incluye contrastes y color.
El rojo es el color opuesto al verde, en la teoría de color de pigmentos. Así como el violeta es el opuesto del amarillo o el azul del naranja. Cuando incluímos en una fotografía estos colores de una forma balanceada y armónica, estamos aplicando composición. La foto de este cardenal es un buen ejemplo. El pájaro sobresale sobre el fondo verde. Colabora además la profundidad de campo, pero esta foto no sería igual si el pájaro estuviera posado sobre ramas secas de otro color.
Las siguientes fotos tienen similares características, pero existe una variable diferente – la profunidad de campo, que es más dramática, y separa las flores del fondo, lo que permite resaltar la textura de sus pétalos, y se convierte en el principal motivo de las fotos.
Cometí el error, de dejar la cámara en balance automático de blancos, así que los colores no son totalmente fieles a la realidad y se ven afectados por la saturación de los mismos colores de la escena que estaba en constante variación por la intensidad del sol.
Invertí 30 minutos en esta sesión. Usé un lente de 50 milímetros con un filtro zoom de 4x. Varié la apertura de diafragma entre f5.6 y f8.
Esta semana asistí a una charla en las oficinas principales de la National Geographic, ofrecida por el fotógrafo Michael Melford, experto en fotografías de naturaleza y paisajes.
Nunca había estado en las instalaciones de la National Geographic, esperaba llegar a algún salon donde se iba a dictar la charla, pero me llevé una grata sorpresa, pues parece ser que todo el primer piso es una muestra fotográfica de diferentes fotógrafos, diferentes temáticas, mostrando dieferentes partes del mundo. Además de la riqueza visual y del bombardeo de imágenes, estas fotos transmiten mensajes y generan reacciones. Habían imágenes de animales en vida salvaje, de maltrato de personas posiblemente en África, de la vida de las mujeres en el medio oriente y de paisaje, entre otros temas, todas en colores brillantes y en altísima resolución.
Creí que la charla iba a estar un poco monótona e iba a ser más corta, pero siempre duró más de una hora y fue bastante amena y hasta divertida. El fotógrafo inició hablando sobre los comienzos de su carrera, mostrando fotografías que había tomado en determinadas situaciones (que a veces resultaron coincidencia) y cómo estas habían sido seleccionadas como portadas de la revista Traveler. Luego habló de su primera gran asignación para la National Geographic, y todos los eventos inesperados que le ocurrieron en esta experiencia, pero que al final resultaron favoreciendo su trabajo.
La charla sobre Alaska fue muy entretenida. El fotógrafo alternó fotografías con un mapa donde mostraba la región donde fueron tomadas, y de las experiencias vividas en cada uno de esos lugares. Esta asignación tuvo el propósito de documentar toda la riqueza natural que tiene Alaska, y que está en riesgo porque bajo sus tierras existe el segundo yacimiento más grande de cobre del planeta, y compañías están estudiando el terreno para construir una mina. Esto afectaría el ecosistema de varias especies de peces que viven en esos ríos, y por consiguiente otros animales como el Oso Grizzly que viven principalmente del Salmón. Triste.
Como conclusión del fotógrafo, según su experiencia, hay varios factores que pueden incidir en una buena fotografía: La iluminación – que está relacionada con la hora del dia, la paciencia del fotógrafo, y muchas veces la coincidencia – estar en el momento correcto y en el lugar adecuado.
Algo que el fotógrafo no mencionó, pero que considero el factor fundamental para una buena foto es el ojo del fotógrafo, y esto incluye:
El fotógrafo entrena el ojo tomando fotos. Hay personas que de forma innata tienen este don, y hay otras que lo adquieren con el tiempo.
En mi caso, continuamente estoy viendo fotografías, así no tenga mi cámara en la mano. No estoy seguro si es por los años de estar practicando fotografía, pero de alguna manera en mi cerebro se forma un recuadro imaginario buscando la mejor composición. Ya con cámara en mano decido qué enfocar y cómo moverme, así sea caminar o tirarme al piso, para buscar otros ángulos. Y como lo decía Michael Melford en su charla, en ocasiones uno no espera ciertas cosas que inicialmente parecen obstáculos, pero que al final resultan favoreciendo las fotografías.
Tambien me sucede que nunca estoy conforme con mi trabajo, sólo en raras ocasiones quedo totalmente satisfecho. Y conforme pasa el tiempo, quisiera eliminar fotos de mi portafolio que ya no considero “buenas”, o acordes para exhibir.
Algo que olvidé mencionar sobre Michael Melford. Varias de sus fotos eran movidas, tomadas así a propósito. Estas fotos podrán no ser del agrado de muchas personas – por qué no están en foco? por qué una foto movida? – pero la justificación del autor es simplemente porque “son más interesantes”. Percibo esto como un deseo de no sólo capturar el momento, sinó la acción de la escena.
El fin de semana estuve de nuevo en el parque Algonkian, que es como una especie de respiro semanal para mí, luego de pasar jornadas enteras frente a un computador.
Estuve de nuevo tomando fotos de árboles, pero como el clima estaba diferente, los resultados fueron totalmente opuestos a las fotografías que compartí hace un tiempo en mi artículo Enredos.
Cuando el cielo está despejado en esta zona del planeta, normalmente es de color azul, es un degradé azul saturad arriba y azul claro abajo hacia el horizonte. Esto permite capturar el color azul en las fotos, y oscurecer este color en el “cuarto oscuro digital”. Sin embargo, este fin de semana el cielo estaba totalmente nublado, blanco, así que los colores de las cosas eran casi nulos debido al bajo contraste. Esto influyó en mis fotografías, de tal forma que todas presentan un fondo blanco, y algunos de los árboles parecen siluetas, debido a que estaba apundando la cámara hacia arriba, el cielo blanco tenía mucho brillo y generó mucho contraste con las ramas.
Noten que algunos de los árboles se ven blancos. Es porque precisamente son blancos, y es algo que me llama muchísimo la atención, parece que se pelaran en invierno, y muchos se pelan en la misma dirección, como si alguien les esparciera pintura desde un mismo punto.
Esta técnica me gusta mucho. Siento que estuviera dibujando con la cámara. En la entrada anterior - Enredos – me concentré mucho en las texturas saturadas de los árboles superpuestos, tanto así que algunas de ellas parecen cuadros abstractos o solo una maraña de trazos verticales (personalmente me gustó mas ese resultado). Esta vez estuve más interesado en fotografiar las ramas como siluetas, así como los árboles con texturas blancas.
Este fue el resultado de la sesión, las fotos solo presentan ajustes de niveles de contraste. Fueron tomadas a color, procesadas en blanco y negro y luego ligeramente ajustadas en niveles de contraste:
Me siento afortunado de haber visitado museos que albergan obras de artistas que de alguna forma revolucionaron la pintura en concepto, estilo o forma, y fueron avanzados para su época.
No discrimino los nuevos artistas, u artistas no famosos. Siempre que visito un museo abro mi mente para absorber todo lo que puedo ver y detallar, y además buscar influencias sin importar el origen o época del artista.
Recuerdo la primera vez que vi a un Van Gogh. Fue en el 2002, no conocía mucho de historia del arte, solo conocía obras famosas pero en esa época tenía como preferido a este artista. Había visto sus cuadros en tarjetas, reproducciones, en el computador, pero nunca había tenido el placer de ver el volumen de una obra de este artista. Es algo que no puedo describir. El pensar en que alguna vez el pintor tuvo en sus manos la obra y estuvo trabajando en ella, el ver el detalle de un cuadro no se compara en nada a ver una reproducción, y en esto influye el color, la textura y el ambiente donde se encuentra expuesta.
Curiosamente, en ese mismo año estuve en una retrospectiva de Wassily Kandinsky, que de casualidad encontré – estaba en el lugar correcto en el momento adecuado. Alguna vez escuché a mi padre hablar del artista y sabía que había sido una gran influencia en el arte moderno. Pude apreciar su obra desde sus orígenes hasta los cuadros más recientes, aunque en mi cerebro pocos recuerdos vivos quedan de ese día. Hoy en día tengo muchísimo más conocimiento de este artista, se lo importante y valioso que fué para el arte y el diseño, y desearía haber tenido ese mismo conocimiento y apreciación cuando asistí a semenjante evento tan importante y único – que por cierto, fue en la Pedrera, y tampoco conocía mucho sobre Gaudí.
Creo que hay obras de arte que sobresalen sobre las otras. No es que sean mejores, pienso que tienen algo que de alguna forma se sincronizan con nuestro gusto, pero además, al leer sobre el artista, no existe la menor duda que también pesa mucho su experiencia, concepto e importancia en el arte. Este es el caso de Fernand Khnopff. Cuando visité El Getty, en Los Angeles, entré a una sala donde lo que me llamó mas la atención fue uno de sus cuadros: Jeanne Kéfer. No sabía quien era el autor ni conocía su obra, pero de alguna forma, esa pintura atrajo muy fuerte mi atención y todavía siento como reciente el momento en que la ví.
Comparto con ustedes algunas fotografías de obras de artistas reconocidos. Probablemente los colores no son fieles a las obras, básicamente enfaticé en la textura, en el volumen de las pinceladas, que es lo que no alcanzamos a notar en las reproducciones.
Una de las atracciones de Florida son los pantanos de Everglades, donde habitan varias especies de cocodrilos y caimanes. Como en Estados Unidos hacen parque de atracciones de todo, y todo es negocio, en el área hay una serie de “granjas” que se encargan de mantener a estos animales ( se ven bien cuidados y gorditos) y a su vez de atraer turismo con shows cortos sobre estos animales, que tienen su lado educativo.
La granja que visité fue Everglades Alligator Farm. Una de las cosas que más disfruté fue el (muy muy corto) paseo en airboat, esas lanchas que se propulsionan por aire. Otras atracciones de esta granja incluyen:
Todas las fotos en este artículo fueron tomadas con un lente 70-200, a diferentes aperturas de diafragma y diferentes distancias focales, pero principalmente usando números f altos para obtener toda la textura de la piel de estos animales.
Hablaba en otro artículo sobre mi visita al National Portrait Gallery en Washington DC, a una exhibición de retratos de Alexander Calder. Caminando por el museo me encontré con esta otra exhibición, de un artista que no conocía: Alexis Rockman.
Es complicado hablar de un artista cuando no se tienen bases de su trabajo. Así que solo me enfocaré en la experiencia que tuve al observar sus obras.
El recorrido de la exhibición fue en zig-zag. Es decir, uno se iba enterando que habían más obras en la medida que se iba haciendo el recorrido. Con grata sorpresa, la exhibición era extensa, y me fui sumergiendo en todas estas obras de arte llenas de color y de mundos extraños.
No se cuantos trabajos ví, pero fueron muchos, calculo más de 30. Algo que me atrajo de estas pinturas es que el artista intenta mostrar naturaleza en descomposición, o en evolución, pero en vez de usar paletas oscuras y fúnebres, usa colores brillantes que estallan a la vista (los cuadros en versión digital se ven opacos con lo que son realmente).
Varios de sus cuadros son monumentales, y están llenos de detalles. Para mi es como ver un cuadro de el Bosco, pero moderno. O también es como ver todo el álbum de chocolatinas Jet, pero con animales y plantas estrambóticas.
Varios de los animales se ven con los órganos a la vista. Abundan los insectos y acorazados, así como cruces de especies.
Yo percibí el concepto de las obras como una muestra de la invasión del hombre en la naturaleza, y los perjuicios que el hombre puede causar en ella. Aunque también puede ser lo contrario, la naturaleza invadiendo al hombre, y los perjuicios que esto conlleva.
Esta es la página web oficial del artista: alexisrockman.net, que contiene las obras que estaban en exposición.
Hoy tuve el privilegio de estar en una exhibición del gran artista Alexander Calder. Pocas personas conocen a este gran personaje, quien revolucionó el arte de la escultura en la primera mitad del siglo XX.
La escultura tradicional es estática, sin embargo, Calder introdujo los móviles (término acuñado por Marcel Duchamp) en este tipo de arte, que son esculturas en movimiento, u objetos suspendidos en equilibrio.
Calder trabajó principalmente con alambre, y parte de su trabajo fueron retratos en este medio, que parecen líneas en tercera dimensión. Esta exposición reune la gran mayoría de sus retratos.
Sin duda, para los admiradores de Calder, ver todas estas obras en un solo lugar es un gran privilegio, y es un encanto a la vista. Yo repetí el recorrido, tratando de memorizar las formas de esos alambres trenzados, que desde diferentes puntos de vista muestran los rasgos de los personajes retratados.
En uno de mis artículos anteriores, publiqué una serie de videos que muestran su famoso circo, conformado por figuras móviles hechas de materiales reciclabes, con las cuales el artista realizaba reuniones y divertía a sus amigos más cercanos, dentro de los cuales estaba en artista Joan Miró. Ver artículo.
Parece que Calder nunca dejó de ser un niño. Al menos su arte irradia alegría, burla (en el buen sentido de la palabra), picardía, belleza, y sobre todo mucha creatividad.
Me encantan las texturas de los árboles sobrepuestas entre sí. El color de los árboles es por lo general rojizo, y el sol genera una iluminación amarilla sobre estos, cuando está relativamente bajo. Por otra parte el cielo totalmente despejado es un degradado azul detrás de los árboles.
Por lo general tomo las fotos en color, y uso la herramienta de blanco y negro para nivelar el contraste de los colores en modo blanco y negro. Al ajustar el cyan y el azul puedo oscurecer o aclarar el fondo. Al ajustar y jugar con amarillos y rojos realzo la textura de los árboles y acentúo brillos o atenuo volúmenes. Al final, exporto la fotografía como si fuera un dibujo.
Este estilo es uno de mis favoritos.
Para lograr capturar toda la textura de los árboles, debo usar una apertura de diafragma cerrada, para que todo lo que estoy viendo quede en foco. Estas fotos fueron tomadas con una apertura superior a los f11 (inclusive en algunos casos el f32, cuando la luz lo permitió)
Fotos recientes Gray Decay’s Blog Rss feed: