El siguiente es un trabajo que realicé para inQbation, una empresa caleña conformada por jóvenes emprendedores, que realiza diseño y desarrollo de páginas web y aplicaciones a la medida. Es una empresa interesante, diferente, poco convencional, ya que provee un gran ambiente de trabajo a sus empleados, con horarios flexibles, alta tecnología en equipos,  ergonomía, y proyectos que les permite desarrollar habilidades en el estado del arte de las tecnologías orientadas a internet.

El estudio lo realicé en Unicentro, Cali, en las oficinas de la empresa. Para las fotos de interiores utilicé el lente 50mm, f1.4, a aperturas de diafragma abiertas para desenfocar el fondo y enfocar solo personas u objetos. Para las fotos de exteriores usé el lente 70-200 mm, f2.8, también con aperturas abiertas para aplicar foco selectivo, o separación del fondo y los sujetos de la foto.

Esta semana asistí a una charla en las oficinas principales de la National Geographic, ofrecida por el fotógrafo Michael Melford, experto en fotografías de naturaleza y paisajes.

Nunca había estado en las instalaciones de la National Geographic, esperaba llegar a algún salon donde se iba a dictar la charla, pero me llevé una grata sorpresa, pues parece ser que todo el primer piso es una muestra fotográfica de diferentes fotógrafos, diferentes temáticas, mostrando  dieferentes partes del mundo. Además de la riqueza visual y del bombardeo de imágenes, estas fotos transmiten mensajes y generan reacciones. Habían imágenes de animales en vida salvaje, de maltrato de personas posiblemente en África, de la vida de las mujeres en el medio oriente y de paisaje, entre otros temas, todas en colores brillantes y en altísima resolución.

Creí que la charla iba a estar un poco monótona e iba a ser más corta, pero siempre duró más de una hora y fue bastante amena y hasta divertida. El fotógrafo inició hablando sobre los comienzos de su carrera, mostrando fotografías que había tomado en determinadas situaciones (que a veces resultaron coincidencia) y cómo estas habían sido seleccionadas como portadas de la revista Traveler. Luego habló de su primera gran asignación para la National Geographic, y todos los eventos inesperados que le ocurrieron en esta experiencia, pero que al final resultaron favoreciendo su trabajo.

La charla sobre Alaska fue muy entretenida. El fotógrafo alternó fotografías con un mapa donde mostraba la región donde fueron tomadas, y de las experiencias vividas en cada uno de esos lugares. Esta asignación tuvo el propósito de documentar toda la riqueza natural que tiene Alaska, y que está en riesgo porque bajo sus tierras existe el segundo yacimiento más grande de cobre del planeta, y compañías están estudiando el terreno para construir una mina. Esto afectaría el ecosistema de varias especies de peces que viven en esos ríos, y por consiguiente otros animales como el Oso Grizzly que viven principalmente del Salmón. Triste.

Como conclusión del fotógrafo, según su experiencia, hay varios factores que pueden incidir en una buena fotografía: La iluminación – que está relacionada con la hora del dia, la paciencia del fotógrafo, y muchas veces la coincidencia – estar en el momento correcto y en el lugar adecuado.

Algo que el fotógrafo no mencionó, pero que considero el factor fundamental para una buena foto es el ojo del fotógrafo, y esto incluye:

• Composición, que se divide en encuadre y composición de colores.
• Dominio sobre la cámara.
• Decisión de cómo se quiere la foto (todo enfocado, solo algunas cosas enfocadas, foco selectivo dramático, etc).
• Estilo propio y originalidad.

El fotógrafo entrena el ojo tomando fotos. Hay personas que de forma innata tienen este don, y hay otras que lo adquieren con el tiempo.

En mi caso, continuamente estoy viendo fotografías, así no tenga mi cámara en la mano. No estoy seguro si es por los años de estar practicando fotografía, pero de alguna manera en mi cerebro se forma un recuadro imaginario buscando la mejor composición. Ya con cámara en mano decido qué enfocar y cómo moverme, así sea caminar o tirarme al piso, para buscar otros ángulos. Y como lo decía Michael Melford en su charla, en ocasiones uno no espera ciertas cosas que inicialmente parecen obstáculos, pero que al final resultan favoreciendo las fotografías.

Tambien me sucede que nunca estoy conforme con mi trabajo, sólo en raras ocasiones quedo totalmente satisfecho. Y conforme pasa el tiempo, quisiera eliminar fotos de mi portafolio que ya no considero “buenas”, o acordes para exhibir.

Algo que olvidé mencionar sobre Michael Melford. Varias de sus fotos eran movidas, tomadas así a propósito. Estas fotos podrán no ser del agrado de muchas personas – por qué no están en foco? por qué una foto movida? – pero la justificación del autor es simplemente porque “son más interesantes”. Percibo esto como un deseo de no sólo capturar el momento, sinó la acción de la escena.

Recursos:

• Hidden Alaska
• Biografía de Michael Melford
• Galería de imágenes de Michael Melford
• Website de Michael Melford

Soy un ferviente opositor del uso del flash que viene con la cámara. Estamos acostumbrados a ver las cosas iluminadas desde arriba (el sol, los bombillos), por eso el flash que tienen nuestras cámaras imprimen facciones antinaturales.

Soy terco, me niego a usar el flash, y por esa terquedad he quedado mal en muchas ocasiones con amigos (en especial, el grupo La Fábrica) que confían en mí y me convidan a conciertos o eventos como fotógrafo, pues por lo general estos lugares carecen de buena iluminación, y es difícil obtener buenas fotografías si no se tiene un lente adecuado.

Recientemente me contactaron de una publicación boliviana, que necesitaban fotografías del doctor Eduardo Bolaños y su grupo de colaboradores. Las fotografías debían hacerse un día específico a una hora determinada, los requerimientos de las fotos entregados por mis clientes sugerían realizar tomas del grupo de médicos discutiendo un caso, en un consultorio, y fotos individuales del dr. Bolaños, pero para mi sorpresa, terminé realizando las fotografías en el transcurso de una cirugía.

Después de cumplir con todos los rigores de sanidad, ingresé al quirófano. La luz era interesante, dos potentes lámparas iluminaban desde arriba todo el salón. Lo único malo en ese momento era que no tenía suficiente espacio para trabajar con mi lente de 50mm, f1.4.

Las primeras pruebas salieron prometedoras, me sentía confiado con las condiciones del lugar a pesar del espacio, tomé un par de fotos del doctor, revisé la apertura del diafragma, para saber si podía cerrarla un poco más (subir los número f) para que todo el grupo me saliera en foco, y aumenté un poco la sensibilidad (el ISO)… estaba cómodo. Pero la felicidad me duró muy poco. Una vez los doctores estuvieron listos para iniciar con el procedimiento, apagaron aquellas potentes lámparas y el lugar se llenó de una luz débil (para la cámara), plana y aburridora.

Como es normal, me negué a usar mi flash. Continué tomando fotos con esa luz horrible, confiando que en post-producción pudiera acentuar un poco los contrastes y mejorar las fotos. Comencé a moverme por donde estaba permitido, tratando de encontrar un buen ángulo, buscando elementos del quirófano que hicieran contraste con el doctor y sus colaboradores, pero luego de determinado tiempo vi que mis esfuerzos en parte estaban siendo inútiles, y analicé lo siguiente:

1. No tenía oportunidad de repetir las fotos. Era ya o nunca
2. No tenía control sobre la situación, no había forma de colocar telones de fondo, iluminación artificial, stands, etc
3. Mis clientes esperaban el material, realmente la iluminación no era relevante, lo relevante era el doctor y la situación

Todo esto me hizo decidir asegurar las fotos, usando el flash, y alternando fotos con mi otro lente zoom no tan luminoso, 28-200mm, f3.5-4.5 para abarcar más espacio.

Una foto con flash es segura. El flash lanza una luz muy potente y rápida que congela muchos movimientos y permite tomar la fotografía en “óptimas” condiciones.

A continuación les presento un conjunto de fotos de la sesión, con y sin flash:

Se evidencia claramente que las fotos con luz más normal son las que no tienen flash. Pero por otro lado, las fotos con flash siguen siendo aceptables para el objetivo de la sesión.

Al final, encendieron de nuevo las fuertes lámparas que me sedujeron en un principio. Aproveché para tomar fotos individuales del doctor. Me pareció que un contraluz era adecuado, pero exponiendo la fotografía (es decir, ajustando velocidad de obturación y apertura de diafragma) a la luz de la cara. Usé de nuevo mi lente de 50mm, el diafragma lo abrí al máximo para usar un efecto de foco selectivo y para generar un efecto de iluminación dramático en la parte de atrás.

Nota:

En fotografía de retrato, direccionar luz hacia la parte de atrás del sujeto, genera un efecto muy bonito y profesional, pues le da volumen a la foto y separa al sujeto del fondo.

Hace poco adquirí un disco externo para almacenar todas mis fotografías digitales, que he estado tomando desde el 2004. Entre tanto archivo me he encontrado con varios ejercicios de fotografía que realicé en los cursos de la academia de fotografía de Mario Ponce de León.

Este ejercicio que estoy publicando fue realizado en la academia de modelaje Top Class, en Cali. Recuerdo que era un sábado en la mañana, estudiantes de fotografía asistimos ávidos de capturar fotos de modelos, y no se si las modelos también estaban ávidas de fotógrafos (o más bien de fotos gratis para sus portafolios).

A los fotógrafos nos sentaron en una hilera, en frente de las modelitos, unas más bonitas que otras. Había cierta timidez y ansiedad en el ambiente… nosotros sólo seleccionábamos mentalmente cuál modelo queríamos fotografiar, supongo que las modelos se sentían bastante observadas. Yo conté con suerte, me senté cerca de la más bonita. Cuando Mario dio inicio a la sesión, rápidamente me adelanté y convidé a la modelo (Jessica) para tomarle fotos. Dejé a un par de compañeros iniciados, que por perder su turno, quedaron con parejas no muy fotogénicas.

Para el ejercicio contaba ya con ciertas ventajas: Modelo bonita y fotogénica, además de sencilla y colaboradora. Jessica sabía posar de una forma muy natural, sin tomar posiciones ni gestos exagerados. Pero los contra pesaban bastante para el ejercicio: No contaba con equipo de iluminación – la luz provenía de las ventanas, y el sitio lucía desorganizado.

En ese entonces, mi equipo era una cámara Konica-Minolta Dimage A2, con un lente zoom, fijo, de 28-200mm f3.5-4.5.  Aunque mi experiencia no era mucha como fotógrafo, si me había documentado bastante sobre encuadres y composición. También había realizado un curso de iluminación, y puedo decir que supe cómo defenderme.

Poco a poco, fui decidiendo evitar fotografías de cuerpo entero, para evitar incluir en las fotos esos detalles que me parecían feos del lugar. Usé mucho el zoom entre los 50mm y 200mm (para acercarme a la modelo), y de vez en cuando ensayé con gran angular (28mm). Lo bueno del zoom después de los 50mm, es que si se abre el diafragma a lo máximo (en mi caso f3.5-4.5), el fondo tiende a desenfocarse, dejando así fuera de mis fotos aquellos detalles distrayentes de la locación.

Cambié mucho los ángulos de las fotos. Es muy importante variar para conseguir tomas diferentes. En este caso también era muy importante para buscar la mejor iluminación.

Yo no llevaba ningún concepto preparado para la sesión. Afortunadamente logré mucha empatía con Jessica y las fotos quedaro naturales, en ellas se ve algo de su personalidad. Algunos compañeros llevaban ideas en la cabeza, que intentaron ejecutar, pero en mi opinión, las condiciones no se prestaban para ello… es mejor adaptarse al ambiente que persistir en una idea sin tener el control suficiente para ejecutarla.

Las fotos originales son a color, sin embargo, el blanco y negro les da un ambiente muchísimo mejor, pues el piso estaba alfombrado de color rojo vino tinto, muy dominante.

En resumen, lo que me permitió enfrentar los obstáculos y quedar satisfecho con el trabajo fue:

1. Conversar mucho con la modelo y ganar su confianza.
2. Variar bastante los ángulos de las tomas, sin quedarme quieto.
3. Buscar constantemente la mejor iluminación. La luz de ventana bien utilizada es bellísima.
4. Usar tomas cerradas, con el zoom en modo teleobjetivo (más de los 50mm) y a la máxima apertura (menor número f).
5. Observar bien a través del visor de la cámara, encuadrar correctamente sacando del área de la foto elementos distrayentes.
6. NO usar el flash de la cámara, pues genera una iluminación pobre. Este flash debe usarse solo cuando sea estrictamente necesario.

Como consejos para fotografía de retrato:

• Un ojo poco entrenado para fotografía tiende a centrar la cabeza en medio de la foto.  Esto debe evitarse. Los elementos importantes de una foto deben en lo posible encuadrarse a los lados, alrededor de los 2/3 (la famosa regla de los tercios)
• Los ojos son los rasgos más importante de la cara.  Cuando uno observa a una persona, por lo general la mira a los ojos. A no ser que se desee enfoncar en algún otro rasgo diferente, los ojos deben estar enfocados en la foto
• Evitar “amputaciones”. Si se va a hacer un corte en una extremidad, debe ser dramático. Por ejemplo, una foto de cuerpo entero, con corte en los tobillos no es muy estética.  Tampoco lo es capturar el brazo y no capturar la mano.
• Tomar muchas fotos, ojalá más de la cuenta. He hecho sesiones de 2-3 horas donde he tomado alrededor de 800 fotos, y sin embargo no muchas son las que uno como fotógrafo (o la persona como cliente) está buscando.

De las 150 fotos que saqué de la sesión, les comparto estas 30:

A Jessica le agradezco mucho su colaboración en este ejercicio.

Por cierto, mi Konica Minolta no era una muy buena cámara. La disfruté mucho, su lente era muy bueno así no pudiera zafarse y colocar otro, pero generaba mucho ruido en las fotos cuando se colocaba en ISO 200 o ISO 400, lo que la hacía poco versátil en fotografía de interiores. Además que su sensor era pequeño y no ofrecía fotos de gran definición.

Con el grupo de rock caleño La Fábrica he podido realizar trabajos interesantes en mi carrera como fotógrafo. En esta época iniciaba Pin como nueva vocalista, y la idea era renovar la imagen del grupo.

En aquella época estaba realizando un curso de dibujo de manga japonés, y había conocido el trabajo de un artista llamado Tsutomu Nihei, autor de novelas gráficas como Blame!, Noise y  Biomega. La imagen de estos libros se me hizo muy acorde a lo que me transmite la música de La Fábrica, con letras un tanto oscuras, sonidos densos y efectos industriales.

Mi propuesta era generar imágenes fotográficas similares a los comics de Nihei. Ropa y ambiente oscuro, piel blanca. Decidí tomar las fotos individualmente para que el grupo pudiera usarlas de diferentes formas, y realicé esta composición como imagen del grupo. Aunque invertí algunas horas editando las imágenes para lograr el efecto, las fotos originales ya incluían fondos oscuros y caras iluminadas.

En este trabajo usé una luz direccional de 50W como luz principal. Esta luz bañaba las caras de los integrantes del grupo.  Usé una luz de 500W  direccionada hacia el fondo, para iluminarlo y separarlo del cuerpo de los sujetos.

Hace unos días fui contactado por un restaurante llamado Coloreto, para tomar fotografías de su último menú de comida. Aclaro que no soy experto en fotografía profesional de alimentos, pero afortunadamente en la academia de fotografía Mario Ponce de León recibí, en un curso de iluminación, algunas lecciones sobre iluminación de bodegones y también de cristal, que me dieron las bases y criterio suficiente para realizar estas fotos y aceptar el trabajo.

También había tenido la oportunidad hace un par de años de estar en el estudio del fotógrafo Rassmussen, experto en este tipo de fotografía, y de quien aprendí que foto tomada es foto comida: cero maquillaje, la comida se captura como es, si no se puede comer la foto es falsa.Bueno, lo primero que quiero mencionar es que este tipo de fotografía no es tan fácil como mucha gente piensa. No se trata de coger una cámara digital de bolsillo y disparar flash de frente al plato de comida. Pienso que los aspectos más influyentes en este campo son:

1. La presentación del plato de comida
2. La correcta iluminación, y exploración y corrección de la misma
3. La constante exploración de ángulos de cámara
4. El ambiente, elementos secundarios que acompañen alrededor el plato servido
5. Balance de blancos

Coloreto es un restaurante temático, que ofrece una gran variedad de juegos de mesa a sus clientes, para que se diviertan y pasen un rato agradable con sus amigos o familiares mientras se come. Tomando esto como base, me pareció importante incluir elementos y fichas de los juegos de mesa en las fotos, pero decidí valerme de una profundidad de campo corta para enfocar solo el plato de comida y desenfocar el resto de ítems en el encuadre.

Este efecto se conoce como “foco selectivo”, y es muy utilizado en fotografía de retrato. Para lograrlo es necesario ajustar la apertura de la cámara con un número F entre f2.8 y f4. En esta sesión de fotos usé f1.4 pero el foco selectivo era tan extremo que no aplicaba para este tipo de fotos.

Para todas las fotos, me resultó complicado iluminar sin generar sombras muy intensas. El difusor de luz que usé difuminaba mucho la luz y me generaba problemas con la luz secundaria, que usaba iluminando desde atrás del producto. Así que decidí no usar el difusor y arriesgarme con las sombras.

Es importante balancear bien los blancos, pues esto influye notablemente en la apariencia y color de la comida.  La comida debe lucir como es, de lo contraro no deleita a al vista, sinó que rechaza el gusto. En mi caso, tuve que realizar posteriores correcciones de color, pues a pesar que tenía mi cámara balanceada correctamente, los platos de colores generaron reflexiones a sus alrededores que en mi opinión son incómodos a la vista.

La sesión fue todo un éxito. A mi me tocaron los Spaghettis con Pollo y aros de cebolla, y como las primeras fotos fueron la de los cocteles, la sesión estuvo algo licorosa.

A Coloreto trataré de ir más frecuentemente. De verdad tienen buenos platos de comida, se ven y saben delicioso. Los juegos son bien curiosos: Tridominó, Backgammon, Jenga y otros. Información de contacto del restaurante: Av 4 N con 52 (Diagonal al Exito de la Flora) – Cali, Tels: 667 6038, cel: 300 776 9745

Hace poco tuve la oportunidad de visitar los Estados Unidos, y conocer varios de los clientes que atiendo en www.inqbation.com.

Josh, amigo de uno de mis clientes (Brian Evans – www.dragovista.com), es actor de Hollywood. Su trabajo es bastante competido, pues muchas personas llegan a Los Angeles con el sueño de volverse estrellas, por lo tanto es necesario contar con talento, y un buen portafolio, o book de fotografías, para ser seleccionado en un casting y obtener contratos importantes.

Josh me contrató para realizar un book de fotos. Su interes era conseguir fotografías que mostraran su carácter, sin parecer falsas. Josh me explicaba que por lo general, los fotógrafos de Los Angeles programaban su trabajo y dedicaban una hora aproximadamente para cada sesión, lo cual no era suficiente para compenetrarse con el actor y obtener el tipo de fotos que él estaba buscando.

Mientras Brian, Josh y yo nos tomábamos unas cervezas, aproveché para observar sus ángulos y expresiones más favorables. Josh es muy expresivo, y me hizo suponer que la sesión de fotos iba a ser fácil, pero lo cierto es que el primer intento no fue muy satisfactorio, ya que no puede evitar posar cuando tiene una cámara fotográfica apuntando hacia él.

La única forma de capturar buenas tomas fue esperar a que se acostumbrara a mi presencia y a mi cámara, mientras hablaba e interactuaba normalmente conmigo y con Brian.

Estas fotos fueron tomadas en un auto en movimiento, mientras que Josh buscaba cómo encender un cigarro (que nunca encendió). El sol entraba casi de frente porque estaba atardeciendo. Usé un lente fijo de 50mm, a una exposición de f1.4, 1/200 seg, ISO400.  Las fotos originales son a color, pero hice la conversión a blanco y negro digitalmente, acentuando el canal rojo para lograr un poco de detalle en la piel.

Como mencionaba en uno de mis artículos anteriores, como fotógrafo de retrato, siempre busco capturar imágenes expresivas, emotivas, espontáneas y naturales. la comunicación constante entre el fotógrafo y el/la modelo es crucial para lograrlo. No todas las personas son iguales, por lo tanto, el fotógrafo debe idearse siempre la forma de empatizar con la persona objetivo de sus tomas.

Para realizar un buen estudio de fotos familiares, se requiere hacer énfasis en los lazos de unión y afecto que existen entre la familia.

Esta sesión de fotos de madre e hija surgió de forma inesperada. El objetivo inicial era realizar un estudio para mi amiga Viti, que asistió con su mamá, la cantante caleña Magaly. Durante la sesión, decidimos hacer unas fotos familiares, que resultaron preciosas.

El éxito de este estudio se debe principalmente a la bonita relación madre-hija entre Magaly y Viti. Ambas lucen expresivas, sus sonrisas son verdaderas, y sus poses son bastante naturales.

Para estas fotos usé de nuevo mi lente preferido, el 50mm, f1.4, que me permite fácilmente hacer uso del foco selectivo (profundidad de campo cerrado, para enfocar al sujeto y difuminar el fondo). Las tomas las obtuve desde una posición casi a dos metros arriba de ellas. El cielo estaba nublado, ideal para obtener sombras suavizadas.

Hace ya casi tres años, una amiga me contactó para aplicar como fotógrafo de esta conocida modelo de Cali, también conocida como Selena Spice, la primera chica colombiana famosa por sus desnudos en internet.

Después de mi entrevista y posterior aprobación para realizar un primer estudio, resulté embarcado en esta experiencia que ha sido una de las más curiosas en mi rol de fotógrafo.

La sesión consistía en una toma de exteriores con una limusina, el único auto de este tipo en la ciudad de Cali en esa época. ¿Qué más llamativo que una Limusina y Andrea Rincón?

Bueno, luego sentí sobre mí una gran responsabilidad: el quedar bien con mis amigos, con los fans de la modelo, con sus representantes, con mi amiga, con el dueño de la limusina y con Andrea misma. Lo segundo era pasar inadvertido.

La primera curiosidad fue la limusina, pues a pesar de llamar mucho la atención, era realmente un auto alargado, gracias al ingenio de un mecánico colombiano. Durante el recorrido, desde adentro podía observar todas las miradas de los curiosos intentando ver a través de los vidrios polarizados, mientras que el coductor nos colocaba el video de el ZA ZA ZA en una pantalla de DVD.

Nos encontramos con Andrea cerca a la Universidad de San Buenaventura. Se decidió hacer las fotos en un sector “tranquilo” y poco concurrido de estrato alto de la ciudad. Mi amiga me advirtió que las fotos debían ser atrevidas, pero las curvas de Andrea me intimidaron desde un principio, porque si puedo decir ques la modelo más voluptuosa que he retratado.

Dentro de la limusina me sentí tranquilo, protegido del mundo exterior, sólo sentía sobre mí los ojos vigilantes del astuto conductor, que seguía toda la sesión a través del espejo retrovisor. La confianza con la modelo fue rápidamente ganando terreno, mi cámara de ese entonces funcionaba como podía en esas difíciles condiciones de luz, y el calor se apoderó del lugar.

Después de una rápida des-acalorada, continuamos con las fotos. Esta vez, con puerta abierta y modelo semidesnuda con plumitas cubriendo sus grandes senos. Me sentí cómodo, la experiencia de la modelo hizo fácil mi trabajo, y pude moverme con tranquilidad.

Tomé fotos fuera del auto, con Andrea en un diminuto bikini. Tomé fotos intentando mostrar la logitud de la limusina sin dejar a un lado las curvas. Tomé fotos en frente del auto y de nuevo, dentro del auto con la puerta abierta.

Pero no les tomó mucho tiempo a algunas personas del lugar notar a la chica con semejante cuerpo, y con limusina a un lado. Y cuando la modelo estaba de nuevo semidesnuda, con el cuerpo cubierto de espuma de afeitar… digo… de crema chantilli, se acercó gentil pero decididamente el guardaespaldas de un poderoso fan con el ánimo de conseguir un autógrafo de Andrea para así ganar una apuesta de una gran suma de dinero. Que susto, tanto para la modelo como para todo el equipo.

Con el autógrafo terminó esta experiencia. La modelito se fue en su carro y yo me devolví con el equipo en la limusina, de nuevo, con música norteña y quebradita de fondo y sus videos estrambóticos en una pantalla de DVD.

Normalmente la fotografía de desnudos presentan mujeres delgadas y estilizadas, o modelos con curvas trabajadas en gimnasio y/o con bisturí. Esta estética contemporánea ha sido infundada en nuestras mentes principalmente por los medios de comunicación. Poco a poco nos hemos acostumbrado a un prototipo de mujer hermosa, con curvas “perfectas” pero no “reales”.

Acaso no recuerdan a las mujeres más hermosas de nuestro país hace unos 20-25 años? Susana caldas, Mónica Urbina, Margarita Rosa de Francisco… el paradigma de estética en ese entonces era diferente. Era natural. Incluso, si nos remontamos a tiempos más lejanos, encontraremos modelos con curvas todavía más diferentes. Solo echen un vistazo a las obras de arte antiguas más destacadas. Mujeres naturales, con cuerpos naturales.

En búsqueda de estéticas diferentes, he estado practicando fotografía con modelos naturales, en especial con gorditas. Afortunadamente he contado con grandes colaboradoras que me han dado una mano y se han unido a este proyecto. El resultado es diferente a la fotografía convencional, pero en esencia es un resultado más lindo y meritorio, ya que es un trabajo aún más dependiente de la comunicación e interacción entre la modelo y el fotógrafo, y además de capturar la imagen de un cuerpo desnudo, se captura la sonrisa y emotividad de la modelo.