Volví el sábado pasado al mismo lugar donde tomé las fotos de textura sobre el Potomac, quería ver el atardecer desde ese mismo punto. El río había crecido un poco, así que no había mucha área donde pararse.  Habían muchos insectos en el ambiente, como mosquitos y arañas caminando sobre el río, y muchas libélulas azules posándose sobre ramas y raíces cerca a la orilla. La luz al atardecer es diferente, y genera sombras y colores interesantes. Me enfoqué mucho en las libélulas, tomé fotos desde diferentes ángulos para explorar la iluminación sobre estos insectos. Cuando se trabaja con luz natural no hay forma de “mover” la luz principal – el Sol, por lo tanto, el que debe moverse es el fotógrafo para cambiar la configuración de la iluminación.

Los detalles de exposición de la fotografía que comparto en este artículo son los siguientes: f5.6, 1/500 seg, ISO 400.
El f5.6 permite tener suficiente distancia focal para capturar a la libélula, y difuminar el fondo (foco selectivo).

Esta es otra fotografía de esa sesión, a contra luz: Libélula en el Potomac

Mi modelo actual, el parque Algonkian y el río Potomac. Este lugar me parece hermoso, lo he visto en invierno, primavera y verano. No lo veré en otoño, lástima, porque los árboles van a llenarse de colores explosivos.

Como rutina casi diaria, he estado recorriendo las trochas del parque en bicicleta. No son trochas aburridoras, siempre se esquivan obstáculos por encima, por debajo y a los lados, hay riachuelos en medio de la vía, ardillas, venados después de las 6 de la tarde, pájaros carpinteros, cuervos y petirrojos. Las trochas bordean pequeños ríos y barrancos, están en medio de plantas que generan alergias leves, dentro de árboles y arbustos, y desembocan en varios lugares en el río Potomac.

El objetivo inicial de esta sesión era tomar fotografías de los recorridos que hago en bicicleta, pero terminé tomando fotografías por casi una hora de las texturas del río Potomac.

Este río, y en general el paisaje, es bonito, pero creo que es más interesante  la belleza y riqueza de colores y texturas de los elementos orgánicos que flotan y se encuentran en él.

Para estas fotografías intenté cerrar completamente el diafragma (número f alto, entre 16 y 32), para poder capturar lo más nítido posible toda la textura de las formas. Esto provoca en ocasiones fotos movidas si no hay suficiente luz. Afortunadamente el sol estaba brillante, pero como fueron tomadas aproximadamente a las 6pm, la luz no estaba muy intensa y la obturación oscliaba entre los 1/15 seg. y 1/60 seg., a ISO 400.

Por lo general, antes configuraba la cámara para exposición por apertura (Av): Ajustaba la apertura y automáticamente la cámara ajustaba la obturación.  Actualmente estoy usando exposición manual, el exposímetro de la cámara puede equivocarse con objetos muy oscuros (como el fondo del río) y sobreexponer las fotos, o con objetos muy claros (un cielo nublado) y provocar subexposición.

Ayer estuve en Washington DC, en pleno día de la independencia. Como la ciudad se llena de gente en este día, tuvimos que planear el paseo con algo de estrategia para poder lograr una buena ubicación, y para poder salir de la ciudad sin dificultades.

A las 5 am nos dirigimos Blake y yo a Washington DC en diferentes carros, para dejar uno de ellos parqueado, con bicicletas y todo lo necesario, en un lugar estratégico. Luego, regresamos cerca del medio día, y ya la afluencia de gente a la ciudad era bastante notoria. Contamos con suerte y pudimos parquear el segundo carro cerca al primero. En bicicletas y un pequeño remolque, trasladamos carpa, cámaras, sillas portables, nevera portable (con unas cuantas cervezas escondidas) y linternas a un buen lugar para tomar fotografías.  Estábamos en la orilla del río Potomac, a todo el frente de los monumentos a Lincoln y Washington.

Poco a poco, la gente comenzó a llegar, fotógrafos aficionados (gran cantidad de Hindús y Orientales) comenzaron a ocupar espacios con sus trípodes para reservar su mejor lugar y presenciar los juegos pirotécnicos. Habían muchas familias de inmigrantes, pero también muchas parejas y grupos de Estados Unidos. Sobre el Potomac, comenzaron poco a poco a atracar yates, lanchas y kayaks. Y a las 9pm ya todos los asistentes estaban preparados para el espectáculo.

Los fuegos pirotécnicos duraron aproximadamente 15 minutos. Yo no cargaba trípode, y mi cámara tenía un lente teleobjetivo, así que necesitaba buscar apoyo en algo para evitar tomar fotos movidas. Como solución alternativa, permanecí sentado todo el tiempo, con una pierna cruzada, y apoyando el lente sobre la rodilla. Usé aperturas de diafragma entre f2.8 y f5.6, con velocidades de obturación entre 1/6seg y 1/30seg, e ISO entre 640 y 800.

Adoro el Blanco y Negro. Las fotos de día las presento en este formato, aunque los fuegos artificiales si son necesarios mostrarlos a color.

Canon 70-200mm f2.8L (imagen tomada de www.dpreview.com)

Ya había comentado en un artículo anterior sobre las grandes caracteristicas de la Canon 5D MarkII. Una buena cámara necesita un buen lente, y la Mark II hace una excelente combinación con el lente 70-200mm 1:2.8 L de la Canon.

Con mi primera cámara digital, una Konica Minola Dimage A2 tenía la versatilidad de un lente entre lso 28mm y los 200mm, sin embargo, la cámara no proporcionaba buena resolucion porque su sensor era de sólo 2/3″, es decir, de sólo 11 milímetros. Así el lente fuera excelente, no iba a lograr la mejor calidad por el tamaño del sensor.

La Mark II es full-frame (su sensor digital es del tamaño de un negativo 35mm). Las fotos que captura son casi iguales a las que se pueden obtener con una cámara de rollo de 35mm. Pero si se usa con un lente barato, se pierde la posibilidad de tomar fotografías de alta definición, es como usar gafas correctivas con lentes ligeramente rallados – los ojos tienen la capacidad de capturar muchos detalles, pero las gafas pueden disminuir la definición de las cosas.

El lente 70-200mm permite aprovechar todas las buenas características de la Mark II, la diferencia realmente salta a la vista en términos de definición, color y manejo de profundidad de campo. Muy pocos lentes zoom ofrecen una apertura f2.8, con esta gran ventaja, se puede literalmente separar al objetivodel fondo, así se esté usando los 70mm o los 200mm. Otra gran característica es el estabilizador de imagen de dos modos, uno para objetos estáticos y otro para objetos en movimiento.

La única “limitación” es que por ser de tipo teleobjetivo, se necesita cierta distancia para tomar fotografías. En fotografía de paisaje solo se puede capturar una fracción de lo que se está observando. En fotografía arquitectónica, se necesita distancia para capturar todo un edificio, y es casi imposible capturar el interior de una habitación. Este lente es perfecto para retrato, para cubrir eventos desde la distancia, y para fotografías expontáneas (sin que el sujeto note).

En conclusión, este lente es definitivamente una buena inversión para cualquier fotógrafo.

Más información acerca de este lente en: Digital Photography Review

Hoy estuve un rato en Great Falls, VA, un destino importante en el área de Washington D.C. En bicicleta, recorrí algunos lugares e intenté tomar las mejores fotos. El sol estaba muy fuerte, y había mucha luz ultravioleta en el ambiente, esto se nota cuando los elementos lejanos tienden a desvanecerse y a tornarse palidos o sin color.  Estas condiciones no son las más ideales porque se genera muchísimo contraste entre los elementos claros y los oscuros, además que las sombras son prácticamente negras. Creo que conté con suerte y pude sacar algunas escenas bonitas de toda la serie.

El terreno de la zona es para deportistas, o para gente con estado físico.  Hay muchas pendientes, que son difíciles de subir para un ciclomontañista principiante. Lamentablemente me quedé sin aliento y el paseo se terminó rápido.

Estoy usando un lente tele-objetivo de 70-200mm. Nunca había hecho fotografía de paisaje con este tipo de lentes, y conforme lo voy usando me voy sintiendo mucho más cómodo. Normalmente se dice que los lentes gran-angulares son los más adecuados para este propósito, sin embargo, ahora que puedo comparar mejor los resultados me tiende a gustar que las imágenes carecen de distorsión de perspectiva, se ven más normales, como el ojo humano observaría, y se me hace estar creando ventanas a los espacios que visito.

Una ventaja de las condiciones de luz de hoy para fotografías de paisaje es que el diafragma se puede cerrar casi completamente, lo que permite capturar casi todo de forma nítida. Entre más cerrado el diafragma (número f más grande), más nitido se torna todo porque la profundidad de campo es mucho mayor. Entre más abierto el diafragma (número f más pequeño), más borrosos se imprimen los objetos o fondos que no están en foco (el tan mencionado efecto de Foco Selectivo).

Este fin de semana estuve en Miami, uno de los principales destinos turísticos de todo el mundo y en mi opinión, uno de los tantos motivo que usan algunas personas para presumir.

Miami es bonito y es feo. Miami es superficial y es además convencional.  Se ve gente muy linda pero también gente común y corriente. No se si me equivoco en mencionar esto, pero mientras gente de otros países viajan a Miami en plan de playa y glamour, mucha gente de Estados Unidos e inmigrantes aprovecha a tirarse en la playa en plan de paseo de olla.

Y todo eso está bien, Miami es una ciudad de contrastes, donde no se necesita el idioma Inglés para desenvolverse en la calle, con playas bonitas, sol, clima caliente y húmedo, moda, glamour, mujeres hermosas y galanes de telenovela.

El bonito y el feo, el rico y el pobre se gozan esta ciudad a su manera.

Foto: 135mm, f2.8, 1/4000s, ISO 125
La apertura del diafragma (f2.8) permite realizar el efecto de foco selectivo, donde el sujeto principal de la foto, es separado del fondo, generando énfasis exclusivo en él. La alta velocidad permite oscurecer el cielo y mar azul:  La cantidad de luz en la escena hace que los objetos claros brillen con mucha intensidad, y por lo tanto, los objetos que brillan muy poco, no alcanzan a reflejar suficiente luz hacia la cámara y se tornan oscuros a altas velocidades de obturación.

Soy un ferviente opositor del uso del flash que viene con la cámara. Estamos acostumbrados a ver las cosas iluminadas desde arriba (el sol, los bombillos), por eso el flash que tienen nuestras cámaras imprimen facciones antinaturales.

Soy terco, me niego a usar el flash, y por esa terquedad he quedado mal en muchas ocasiones con amigos (en especial, el grupo La Fábrica) que confían en mí y me convidan a conciertos o eventos como fotógrafo, pues por lo general estos lugares carecen de buena iluminación, y es difícil obtener buenas fotografías si no se tiene un lente adecuado.

Recientemente me contactaron de una publicación boliviana, que necesitaban fotografías del doctor Eduardo Bolaños y su grupo de colaboradores. Las fotografías debían hacerse un día específico a una hora determinada, los requerimientos de las fotos entregados por mis clientes sugerían realizar tomas del grupo de médicos discutiendo un caso, en un consultorio, y fotos individuales del dr. Bolaños, pero para mi sorpresa, terminé realizando las fotografías en el transcurso de una cirugía.

Después de cumplir con todos los rigores de sanidad, ingresé al quirófano. La luz era interesante, dos potentes lámparas iluminaban desde arriba todo el salón. Lo único malo en ese momento era que no tenía suficiente espacio para trabajar con mi lente de 50mm, f1.4.

Las primeras pruebas salieron prometedoras, me sentía confiado con las condiciones del lugar a pesar del espacio, tomé un par de fotos del doctor, revisé la apertura del diafragma, para saber si podía cerrarla un poco más (subir los número f) para que todo el grupo me saliera en foco, y aumenté un poco la sensibilidad (el ISO)… estaba cómodo. Pero la felicidad me duró muy poco. Una vez los doctores estuvieron listos para iniciar con el procedimiento, apagaron aquellas potentes lámparas y el lugar se llenó de una luz débil (para la cámara), plana y aburridora.

Como es normal, me negué a usar mi flash. Continué tomando fotos con esa luz horrible, confiando que en post-producción pudiera acentuar un poco los contrastes y mejorar las fotos. Comencé a moverme por donde estaba permitido, tratando de encontrar un buen ángulo, buscando elementos del quirófano que hicieran contraste con el doctor y sus colaboradores, pero luego de determinado tiempo vi que mis esfuerzos en parte estaban siendo inútiles, y analicé lo siguiente:

1. No tenía oportunidad de repetir las fotos. Era ya o nunca
2. No tenía control sobre la situación, no había forma de colocar telones de fondo, iluminación artificial, stands, etc
3. Mis clientes esperaban el material, realmente la iluminación no era relevante, lo relevante era el doctor y la situación

Todo esto me hizo decidir asegurar las fotos, usando el flash, y alternando fotos con mi otro lente zoom no tan luminoso, 28-200mm, f3.5-4.5 para abarcar más espacio.

Una foto con flash es segura. El flash lanza una luz muy potente y rápida que congela muchos movimientos y permite tomar la fotografía en “óptimas” condiciones.

A continuación les presento un conjunto de fotos de la sesión, con y sin flash:

Se evidencia claramente que las fotos con luz más normal son las que no tienen flash. Pero por otro lado, las fotos con flash siguen siendo aceptables para el objetivo de la sesión.

Al final, encendieron de nuevo las fuertes lámparas que me sedujeron en un principio. Aproveché para tomar fotos individuales del doctor. Me pareció que un contraluz era adecuado, pero exponiendo la fotografía (es decir, ajustando velocidad de obturación y apertura de diafragma) a la luz de la cara. Usé de nuevo mi lente de 50mm, el diafragma lo abrí al máximo para usar un efecto de foco selectivo y para generar un efecto de iluminación dramático en la parte de atrás.

Nota:

En fotografía de retrato, direccionar luz hacia la parte de atrás del sujeto, genera un efecto muy bonito y profesional, pues le da volumen a la foto y separa al sujeto del fondo.

Hace poco adquirí un disco externo para almacenar todas mis fotografías digitales, que he estado tomando desde el 2004. Entre tanto archivo me he encontrado con varios ejercicios de fotografía que realicé en los cursos de la academia de fotografía de Mario Ponce de León.

Este ejercicio que estoy publicando fue realizado en la academia de modelaje Top Class, en Cali. Recuerdo que era un sábado en la mañana, estudiantes de fotografía asistimos ávidos de capturar fotos de modelos, y no se si las modelos también estaban ávidas de fotógrafos (o más bien de fotos gratis para sus portafolios).

A los fotógrafos nos sentaron en una hilera, en frente de las modelitos, unas más bonitas que otras. Había cierta timidez y ansiedad en el ambiente… nosotros sólo seleccionábamos mentalmente cuál modelo queríamos fotografiar, supongo que las modelos se sentían bastante observadas. Yo conté con suerte, me senté cerca de la más bonita. Cuando Mario dio inicio a la sesión, rápidamente me adelanté y convidé a la modelo (Jessica) para tomarle fotos. Dejé a un par de compañeros iniciados, que por perder su turno, quedaron con parejas no muy fotogénicas.

Para el ejercicio contaba ya con ciertas ventajas: Modelo bonita y fotogénica, además de sencilla y colaboradora. Jessica sabía posar de una forma muy natural, sin tomar posiciones ni gestos exagerados. Pero los contra pesaban bastante para el ejercicio: No contaba con equipo de iluminación – la luz provenía de las ventanas, y el sitio lucía desorganizado.

En ese entonces, mi equipo era una cámara Konica-Minolta Dimage A2, con un lente zoom, fijo, de 28-200mm f3.5-4.5.  Aunque mi experiencia no era mucha como fotógrafo, si me había documentado bastante sobre encuadres y composición. También había realizado un curso de iluminación, y puedo decir que supe cómo defenderme.

Poco a poco, fui decidiendo evitar fotografías de cuerpo entero, para evitar incluir en las fotos esos detalles que me parecían feos del lugar. Usé mucho el zoom entre los 50mm y 200mm (para acercarme a la modelo), y de vez en cuando ensayé con gran angular (28mm). Lo bueno del zoom después de los 50mm, es que si se abre el diafragma a lo máximo (en mi caso f3.5-4.5), el fondo tiende a desenfocarse, dejando así fuera de mis fotos aquellos detalles distrayentes de la locación.

Cambié mucho los ángulos de las fotos. Es muy importante variar para conseguir tomas diferentes. En este caso también era muy importante para buscar la mejor iluminación.

Yo no llevaba ningún concepto preparado para la sesión. Afortunadamente logré mucha empatía con Jessica y las fotos quedaro naturales, en ellas se ve algo de su personalidad. Algunos compañeros llevaban ideas en la cabeza, que intentaron ejecutar, pero en mi opinión, las condiciones no se prestaban para ello… es mejor adaptarse al ambiente que persistir en una idea sin tener el control suficiente para ejecutarla.

Las fotos originales son a color, sin embargo, el blanco y negro les da un ambiente muchísimo mejor, pues el piso estaba alfombrado de color rojo vino tinto, muy dominante.

En resumen, lo que me permitió enfrentar los obstáculos y quedar satisfecho con el trabajo fue:

1. Conversar mucho con la modelo y ganar su confianza.
2. Variar bastante los ángulos de las tomas, sin quedarme quieto.
3. Buscar constantemente la mejor iluminación. La luz de ventana bien utilizada es bellísima.
4. Usar tomas cerradas, con el zoom en modo teleobjetivo (más de los 50mm) y a la máxima apertura (menor número f).
5. Observar bien a través del visor de la cámara, encuadrar correctamente sacando del área de la foto elementos distrayentes.
6. NO usar el flash de la cámara, pues genera una iluminación pobre. Este flash debe usarse solo cuando sea estrictamente necesario.

Como consejos para fotografía de retrato:

• Un ojo poco entrenado para fotografía tiende a centrar la cabeza en medio de la foto.  Esto debe evitarse. Los elementos importantes de una foto deben en lo posible encuadrarse a los lados, alrededor de los 2/3 (la famosa regla de los tercios)
• Los ojos son los rasgos más importante de la cara.  Cuando uno observa a una persona, por lo general la mira a los ojos. A no ser que se desee enfoncar en algún otro rasgo diferente, los ojos deben estar enfocados en la foto
• Evitar “amputaciones”. Si se va a hacer un corte en una extremidad, debe ser dramático. Por ejemplo, una foto de cuerpo entero, con corte en los tobillos no es muy estética.  Tampoco lo es capturar el brazo y no capturar la mano.
• Tomar muchas fotos, ojalá más de la cuenta. He hecho sesiones de 2-3 horas donde he tomado alrededor de 800 fotos, y sin embargo no muchas son las que uno como fotógrafo (o la persona como cliente) está buscando.

De las 150 fotos que saqué de la sesión, les comparto estas 30:

A Jessica le agradezco mucho su colaboración en este ejercicio.

Por cierto, mi Konica Minolta no era una muy buena cámara. La disfruté mucho, su lente era muy bueno así no pudiera zafarse y colocar otro, pero generaba mucho ruido en las fotos cuando se colocaba en ISO 200 o ISO 400, lo que la hacía poco versátil en fotografía de interiores. Además que su sensor era pequeño y no ofrecía fotos de gran definición.

Hace unos días fui contactado por un restaurante llamado Coloreto, para tomar fotografías de su último menú de comida. Aclaro que no soy experto en fotografía profesional de alimentos, pero afortunadamente en la academia de fotografía Mario Ponce de León recibí, en un curso de iluminación, algunas lecciones sobre iluminación de bodegones y también de cristal, que me dieron las bases y criterio suficiente para realizar estas fotos y aceptar el trabajo.

También había tenido la oportunidad hace un par de años de estar en el estudio del fotógrafo Rassmussen, experto en este tipo de fotografía, y de quien aprendí que foto tomada es foto comida: cero maquillaje, la comida se captura como es, si no se puede comer la foto es falsa.Bueno, lo primero que quiero mencionar es que este tipo de fotografía no es tan fácil como mucha gente piensa. No se trata de coger una cámara digital de bolsillo y disparar flash de frente al plato de comida. Pienso que los aspectos más influyentes en este campo son:

1. La presentación del plato de comida
2. La correcta iluminación, y exploración y corrección de la misma
3. La constante exploración de ángulos de cámara
4. El ambiente, elementos secundarios que acompañen alrededor el plato servido
5. Balance de blancos

Coloreto es un restaurante temático, que ofrece una gran variedad de juegos de mesa a sus clientes, para que se diviertan y pasen un rato agradable con sus amigos o familiares mientras se come. Tomando esto como base, me pareció importante incluir elementos y fichas de los juegos de mesa en las fotos, pero decidí valerme de una profundidad de campo corta para enfocar solo el plato de comida y desenfocar el resto de ítems en el encuadre.

Este efecto se conoce como “foco selectivo”, y es muy utilizado en fotografía de retrato. Para lograrlo es necesario ajustar la apertura de la cámara con un número F entre f2.8 y f4. En esta sesión de fotos usé f1.4 pero el foco selectivo era tan extremo que no aplicaba para este tipo de fotos.

Para todas las fotos, me resultó complicado iluminar sin generar sombras muy intensas. El difusor de luz que usé difuminaba mucho la luz y me generaba problemas con la luz secundaria, que usaba iluminando desde atrás del producto. Así que decidí no usar el difusor y arriesgarme con las sombras.

Es importante balancear bien los blancos, pues esto influye notablemente en la apariencia y color de la comida.  La comida debe lucir como es, de lo contraro no deleita a al vista, sinó que rechaza el gusto. En mi caso, tuve que realizar posteriores correcciones de color, pues a pesar que tenía mi cámara balanceada correctamente, los platos de colores generaron reflexiones a sus alrededores que en mi opinión son incómodos a la vista.

La sesión fue todo un éxito. A mi me tocaron los Spaghettis con Pollo y aros de cebolla, y como las primeras fotos fueron la de los cocteles, la sesión estuvo algo licorosa.

A Coloreto trataré de ir más frecuentemente. De verdad tienen buenos platos de comida, se ven y saben delicioso. Los juegos son bien curiosos: Tridominó, Backgammon, Jenga y otros. Información de contacto del restaurante: Av 4 N con 52 (Diagonal al Exito de la Flora) – Cali, Tels: 667 6038, cel: 300 776 9745

En este artículo detallaré más a fondo sobre las principales características que hacen de una cámara digital la mejor opción, las cuales listo a continuación:

a. El tamaño del sensor:

El sensor es uno de los principales componentes que debe analizarse. El sensor se encarga de capturar la imagen, y entre más grande es, más resolución y detalle aporta a la fotografía.

Por lo general, las cámaras compactas poseen sensores muy pequeños, que no alcanzan la misma calidad de una cámara de película (o rollo) ni siquiera en un 20%, sin embargo, estos sensores funcionan bien para impresiones fotográficas de 10x15cm y posiblemente para ampliaciones de 20x30cm.

Una cámara SLR de 6 megapíxeles, tiene normalmente un sensor más grande, que permite capturar más calidad y detalle, y de esta forma lograr obtener impresiones de 30x40cm o 50x70cm de buena calidad.

En medidas:

• El negativo de un rollo de 35 mm (normalmente usados en cámaras de película) tiene las dimensiones de 36 x 24 milímetros
• Una cámara compacta promedio tiene un sensor de 6.16 x 4.62 milímetros
• Una cámara SLR normalmente tiene un sensor de 22.2 x 14.8 milímetros

Por lo tanto, es muy importante enterarse del tamaño del sensor, ya que una cámara puede prometer muchos megapíxeles, pero si el sensor es pequeño, realmente es mejor buscar otra opción, tal vez de menos megapíxeles pero de sensor mucho más grande.

b. El lente y los números “f”:

El lente también incide en la calidad de la imagen, y además en la versatilidad de la toma de fotografías. Los lentes tienen una nomenclatura grabada en su parte frontal (algunos en su parte lateral), que indica el nivel de luz que puede capturar, y corresponde a la apertura del diafragma expresada en números “f”.

Entre más capture luz un lente, más probabilidad se tendrá de obtener fotos nítidas en ambientes oscuros. Entre MENOR sea el número “f” MAYOR luz dejará pasar el lente cuando se tiene todo el diafragma abierto (que en términos de apertura sería el valor mínimo).

Por ejemplo, un lente f1.4 deja pasar más luz que un lente f3.5. En el caso de los lentes Zoom, la nomenclatura se expresa en pares, como por ejemplo f3.5-5.6, que indica que para la mínima “distancia” de zoom el número “f” es 3.5 y para su máxima “distancia”de zoom es 5.6.

El correcto uso de la apertura del diafragma permite controlar el rango de nitidez de una foto. Por lo tanto, para fotografía creativa, el número “f” en un lente es de gran importancia, ya que entre MENOR sea este número, MENOR será el rango de distancia de los elementos en foco, y por lo tanto, MAYOR será el efecto de separación del objetivo de la foto del fondo (en fotografía retrato por ejemplo). Sin embargo, esta característica es visible en lentes normales (50 mm) o en teleobjetivos (lentes de 50mm en adelante)

En conclusión, es preferible tener lentes con números “f” bajos, para evitar el uso del flash en ambientes cerrados y así obtener fotos más naturales, o además para capturar fotos en movimiento con mayor nitidez, ya que al capturarse más luz, se requiere de mayor velocidad de obturación (o disparo de la cámara) para una fotografía.